Gemma Polo – Feeling that fantasy as if it was the fucking reality. Sala 10, 18.40 h
Conferencia performativa que emerge de un proyecto de investigación-creación centrado en las intersecciones entre performatividad, tecnología digital y ficción especulativa desde una perspectiva queer-feminista. A partir de la práctica artística, el trabajo propone una crítica a las fronteras entre lo virtual y lo no virtual, entendidas no como oposiciones sino como superficies conectadas, transformadoras y sensibles.
El proyecto plantea Internet como un espacio donde los cuerpos se convierten en interfaces hiperrelacionadas y afectivas. Con una metodología híbrida que combina archivo digital, escritura poética y pensamiento académico, la conferencia propone una estética del glitch, del tránsito y de la repetición como formas de resistencia algorítmica. El marco teórico incluye autoras como Legacy Russell, Judith Butler, Marie Bardet o Donna Haraway, abordando conceptos como la superficie relacional, el trans*formismo digital o la ofuscación como estrategia crítica.
Lejos de presentar una pieza cerrada, FEELING THAT FANTASY AS IF IT WAS THE FUCKING REALITY se ofrece como una apertura especulativa y afectiva: un espacio en crisis, permeable, que invita a imaginar futuros que nunca llegan del todo, pero que dejan huella. Una investigación escénica que es también una memoria viva, un error precioso, una coreografía de la dispersión.
Duración: 20 minutos
Gemma Polo Bosch (Tarragona, 1995) es una artista y creadora transdisciplinar. Su práctica se mueve entre la performance, las culturas digitales, el drag y la escritura disidente, explorando formatos inestables que hibridan disciplinas. Está graduada en teatro físico y visual por el Institut del Teatre de Barcelona, forma parte del colectivo José y sus Hermanas y también desarrolla proyectos propios que activan una mirada crítica sobre el género, el folclore y la memoria queer. Como cantante y compositora, formó parte del grupo musical Roba Estesa (2011–2025).
Ha colaborado con figuras clave como Jérôme Bel y Juan Navarro, desarrollando una sensibilidad por las dramaturgias fragmentarias y las estructuras especulativas.
Michela Depetris – Wow Wide Web. Sala 10, 19.15 h
Wow Wide Web habla de transformación e intenta estimularla, bajo la piel. Se presenta como una instalación acogedora, un entorno inmersivo donde dejar pasar palabras, miradas, sonidos. Se manifiesta como una experiencia atmosférica, un ecosistema suave autoorganizado, un paisaje sonoro cambiante. La investigación se nutre de la física, la biología, el esoterismo, la ciencia ficción, la literatura transfeminista y la neurociencia.
Reflexiona sobre la conexión entre las realidades (humana, animal, vegetal, mineral, extraterrestre, bacteriana, etc.) que componen la materia vibrante en la que estamos inmersos y de la que formamos parte. Wow Wide Web habla de una red oculta, fabulosa, que maravilla, que hace “WOW” (un acto lingüístico de asombro en la contemplación) y cita la wood wide web, la red subterránea de cuidado de plantas y micelios. La investigación aporta esta instancia: repensar la transformación y la relación como condiciones deseables desde una perspectiva revolucionaria y disidente.
Duración: 45 minutos
Michela Depetris (she/ella) nació en Italia y se formó entre Italia y España en artes visuales y danza contemporánea. Vive en Turín. Ha cursado y finalizado el Máster en Artes Escénicas y Cultura Visual por el Museo Reina Sofía de Madrid. Ha trabajado como performer con Silvia Calderoni e Ilenia Caleo, Ari Benjamin Meyers, Daniele Ninarello, Cynhtia Marcelle, María Folguera y otros.
Trabaja como autora con lenguajes híbridos entre la performance, el vídeo, el sonido y las instalaciones participativas, situando su investigación en un campo abierto y mixto en el que cada medio conduce siempre a las prácticas corporales y la coreografía expandida. Diseña dispositivos performativos como potenciales detonadores de microrevoluciones temporales y visiones impermanentes en movimiento. Experimenta con metodologías y formatos que escapan de las lógicas convencionales y de los tiempos habituales de producción, lo que a menudo retrasa, enreda y nutre sus proyectos.
Isa Fontbona – Las voces del esfuerzo. Hilando con los ecos de la memoria. Sala de Exposiciones, 20.00 h
Las voces del esfuerzo. Hilando con los ecos de la memoria da voz a las memorias de algunas de las mujeres que trabajaron en la industria textil de Sabadell a través de las gestualidades corporales y los sonidos que las acompañaban durante las largas jornadas laborales. Una pieza tejida con mucho cuidado y de forma colectiva para visibilizar su importancia en la historia de Sabadell, llevada a una lectura contemporánea que, a través de las alumnas del Instituto Vallès, permite también reflexionar críticamente sobre los ritmos frenéticos de la sociedad actual.
Duración: 35 minutos
Proyecto coral y colaborativo de Isa Fontbona, tejido en femenino con la participación de un colectivo de mujeres que han sido trabajadoras de la industria textil de Sabadell y con las alumnas de bachillerato del Instituto Vallès.
Memoria corporizada y sonora: Isabel Sánchez, Teresa Arrebola, Mayte Simón, Paquita Sanz, Carmen Sequera y Dolores Moya
Performatividad de la memoria: Alumnas del IES Vallès de Sabadell: Anira Santos, Paula Muñoz, Claudia Buccella, Juliana Ordoñez, Laura Vivar, Ivet Sánchez, Alazne Llaó, Bruna Calàbria, Martina Muñoz, Núria Gómez, Nerea Colarte, Abril Valderrama, Lucía Alfaro, Andrea Mondrego.
Concepto, documentación, curaduría: Isa Fontbona en colaboración con Frank Trobok
Acompañamiento artístico: Laura Llaneli y Gemma Cascón
Composición coreográfica: Àfrica Manils – La Nau de Sabadell
Vídeo y edición: Helena Torrent
Programa educativo: Mònica López
Con el apoyo de: L’Estruch. Fàbrica de les Arts en Viu y Ayuntamiento de Sabadell
En colaboración con: IES Vallès de Sabadell y Escola de dansa La Nau de Sabadell
Julie Pichavant – Mimesis. Sala de Exposiciones y patio, 20.30 h
«Mimesis», de Julie Pichavant, se propone como una aproximación al paisaje, una reflexión encarnada sobre el territorio que permite comprender el transcurso del poder civilizador que, en definitiva, no ha hecho otra cosa que explotar y destruir. En su proceso, lo que se hace carne es finalmente la expectativa de un final, una mirada sobre la posibilidad del colapso.
Extracto del texto curatorial de Luis Montes Rojas (Chile): Una vista del fin del mundo: sobre “Mimesis”, de Julie Pichavant
Mimesis ofrece una poética de la supervivencia de los extremos, articulando diferentes medios provenientes de las artes escénicas y las artes visuales. Los espectadores se adentran en una investigación arqueológica y corporal que proporciona una inmersión en la percepción de lo visible y lo invisible.
Ficha técnica
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Performance: Julie Pichavant
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Fotografías coescritas con la artista y fotógrafo: José Luis Rissetti
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Diseño de sonido: Fabrice Camboulive
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Texto curatorial: Luis Montes Rojas
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Agradecimientos a: Roberto Chucao Cabrera Fortet, Modesta Suárez
Duración: 25 minutos
Julie Pichavant, nacida en Francia, es dramaturga, performer, directora, licenciada en Literatura Moderna y Artes Escénicas, y dirige varios proyectos artísticos dentro de la compañía ZART. Cada creación nace de la investigación: un laboratorio y una exploración mutua. Su obra utiliza estrategias de inmersión, experimentación y cocreación. El tema del extractivismo y la explotación de cuerpos y territorios es fundamental en su investigación. Trabaja en Francia, Europa (España, Bélgica, Grecia, Alemania) y América Latina (Colombia, México, Perú, Chile). Imparte clases de práctica teatral y performativa en Artes Escénicas en la Universidad de Toulouse Jean Jaurès. Se formó en cine documental en los Ateliers Varan.
